Synopsis : Suite à sa dernière mission (Casino Royale) contre l'inquiétant financier surnommé Le Chiffre, James Bond est décidé à traquer ceux qui ont forcé la femme qu'il aimait, Vesper Lynd, à le trahir. En interrogeant Mr White, 007 et M apprennent que l'organisation à laquelle il appartient est bien plus complexe et dangereuse que tout ce qu'ils avaient imaginé... Dominic Greene, homme d'affaires impitoyable, est un des piliers de ce système. Au cours d'une mission qui l'entraîne en Autriche, en Italie et en Amérique du Sud, James Bond rencontre Camille, elle-même motivée par sa propre vengeance. L'agent 007 découvre que Greene manœuvre subtilement pour prendre le contrôle de l'une des ressources naturelles les plus importantes au monde, en manipulant la CIA et le gouvernement britannique...

 
 Suite directe du succès sans précédent pour la franchise que fut Casino Royale (sorti fin 2006, le film rencontra un vif succès à la fois public et critique, lui permettant d'engranger 600 millions de $ de recettes mondiales, soit le meilleur résultat au box-office enregistré depuis 1979), Quantum of Solace (Marc Forster - sortie France le 31 Octobre 2008) est le vingt-deuxième opus de la plus grande saga cinématographique, débuté en 1962 avec James Bond contre Docteur No (T. Young).

  Annoncé initialement pour Mai 2008, le film fut finalement repoussé au mois d'Octobre afin de permettre le bon déroulement des dix-huit mois nécessaires à la production. C'est le second film où Daniel Craig interprète le rôle de 007, dans une année phare qui voit en outre célébrer le centenaire de la naissance de Ian Fleming (1908 - 1964), le romancier britannique « père » de James Bond.


  Titre énigmatique annoncé officiellement le 24 Janvier 2008, Quantum of Solace est le titre d'une nouvelle de Fleming tirée du recueil Rien que pour vos yeux, paru en 1960. Traduite en français par « chaleur humaine », l'expression vient signifier le fait qu'une « dose de réconfort » est nécessaire dans toute relation pour que celle-ci est de l'avenir. Daniel Craig précise : « Bond a perdu cette partie humaine puisque son amie a été tuée, et il veut se venger afin de se réconcilier avec le monde. » Quantum est par extension devenu le nom de l'organisation criminelle découverte dans Casino Royale.



 

   Apparue le 02 Février 2008, l'affiche teaser présageait de la dureté exceptionnelle du scénario du nouveau film : l'ombre de James Bond, avançant menaçant sur une route bétonnée craquelée, comme pour signifier la mise en marche du processus irrésistible de vengeance du personnage. La promotion de Quantum of Solace fit visiblement pour ce film le pari d'une promotion plus réduite, moins couteuse et plus accès sur un message simple : la tonalité âpre de l'action et de l'affrontement psychologique entre les personnages prime sur toute surenchère visuelle. Ne subsistent que l'essentiel : un homme, une femme et leur volonté commune de destruction, dans une « traversée du désert » où le décor reflète leur cheminement et leur quête. L'aridité du désert est comme le miroir, le double, de l'âpreté des hommes et de leurs rapports : la moindre erreur, dans un tel environnement, sera fatale, alors que le danger est partout.





  La seconde affiche teaser (Advance Teaser Poster Style B), réalisée par les Studios Empire Design et parue début Juillet 2008, préserve cette identité visuelle en présentant fort justement le héros en reflet de l'ombre précédemment aperçue, dans une monochromie aux limites du noir et blanc. Le titre du film et la date y sont précisés, pour un logo qui est la continuité du jeu sur le titrage instauré avec les visuels de Casino Royale (voir sur ce blog : http://cine-l-affiche-en-plein-coeur.over-blog.fr/pages/Chapitre_3__Affiches_et_mythologies_publicitaires__007_ou_lexemple_du_heros_promotionnel_partie_4-402891.html), dont l'affiche reprend également la posture bondienne et l'habillage orienté action (la cravate dénouée étant cette fois-ci ôtée : voir les deux visuels ci-dessous).  On notera l'itinérance instaurée du personnage, de la droite vers la gauche, dénotant le caractère violent, froid et résolu du caractère de 007.






 Deux visuels, deux films, mais une seule approche...


  Etonnante affiche finale, enfin que, le visuel paru assez tardivement, fin Septembre 2008 (visuel qui apparu d'ailleurs comme illustration du packaging de la bande originale). Etonnant, de par la place similaire accordée à la James Bond girl et au héros, figurant ici bien un couple ayant la même volonté et parfaitement complémentaire. Leur marche en avant se fait toujours discrètement vers la gauche, tandis que leurs regards guettent d'éventuelles menaces invisibles, en hors-champ de chacun des bords de l'affiche. Etonnant encore, car la scène illustrée correspond immanquablement, dans l'œil du spectateur habitué depuis plus de quatre décennies au déroulement-type des aventures de 007, à la scène finale ! Base du méchant ravagée et en flammes, stigmates de la violence des derniers combats (ecchymoses, traces de coups et de griffures diverses, vêtements salis, etc.), arme encore au poing mais duo préservé in extremis... Clin d'œil visuel et jeu sur les mots, la chaleur du désert ici ressentie exprime la chaleur humaine renvoyée par des corps eux-mêmes échaudés par les derniers combats et par le feu de l'action. Tout renvoie à vrai dire aux finals des différents films de la saga, à ceci près que les personnages sont, comme on l'a vu, toujours aux aguets, en attente d'une suite potentielle et à de nouveaux conflits, plaçant de nouveau les personnages aux pieds du mur : on comprendra dès lors, l'illustration tardive de ce concept, notamment dans les traditionnelles affiches pantalon françaises montrant les principaux caractères en pied. On différenciera, enfin, ces visuels de ceux de Permis de tuer (J. Glen - 1989), où le personnage principal était déjà embarqué dans une vendetta personnelle...








  Est-ce à dire, déjà, et dans l'esprit des producteurs, que « Bond 23 », d'ores et déjà programmé pour 2011, sera de nouveau la suite directe de Quantum of Solace ? « Bond will return », comme il est de coutume à la fin de chaque générique, mais dans un monde ouvertement présenté comme toujours plus inhumain, dangereux et mortel.

Le site officiel du film : http://www.quantumofsolace-lefilm.fr/

 

Se reporter au différentes pages proposée  ci-contre à droite
pour l'analyse complète des affiches des films de la saga.

  Coluche, l’histoire d’un mec (sortie le 15 Octobre 2008) est le titre d’un film-biopic, réalisé par Antoine de Caunes, qui retrace les vingt dernières années du célèbre humoriste, du Café de la Gare à sa fin tragique en 1986. Homme extrêmement populaire, des planches aux fameux Restos du Cœur (lancés fin 1985), et de la Radio (Europe 1) au Cinéma (il recevra en 1984 le César du meilleur acteur pour son rôle dramatique à contre-emploi dans Tchao Pantin de Claude Berri), mais également homme décrié, Coluche instaura un style à la fois provocateur et grossier, mais toujours tendre et juste. Chacune de ses apparitions télévisées était attendue avec grand plaisir par la France entière, complicité qui le poussera à se déclarer candidat officiel aux élections présidentielles de 1981.  Coluche donnera avant tout un nouveau visage à la télévision : plus de décontraction et un humour qui feront de lui, plus de vingt ans après sa disparition, un véritable mythe comique artistique, au même rang qu’un Louis de Funès, un Pierre Desproges ou un Pierre Dac.

 
 
 Peu étonnant, par conséquent, qu’un film vienne aujourd’hui restituer Coluche, sous les traits de l’humoriste François-Xavier Demaison.





 Que dire de l’affiche ?

 
  Tout d’abord que le genre biopic d’artistes ou de personnalités contemporaines trouve certainement une correspondance dans les adaptations françaises récentes que furent La Môme (Olivier Dahan - 2007) et Sagan (Diane Kurys), Sans arme, ni haine, ni violence (film de J.P. Rouve consacré à Spaggiari - 2008) ou les deux films, encore à venir, consacrés à Mesrine (J.F. Richet - 2008).

  Ces productions françaises ne font du reste que suivre une nouvelle vogue américaine également très riche (voir sur ce lien toutes les productions du genre à venir : http://www.purepeople.com/12498-Depuis-La-Mome-c-est-la-grande-mode-des-biopics-en-France-Voici-tous-les-prochains-.html). Pour Coluche se posait donc la question d’un titre évocateur, non grossier pour rester grand public, et suffisamment illustratif d’un scénario que le seul nom de Coluche ne pouvait suffire à définir. S’ensuivirent une polémique et un procès soulevés par l’ancien producteur et imprésario de l’artiste, Paul Lederman, ce dernier prétextant que le titre-accroche « histoire d’un mec » lui appartenait à titre d’éditeur originel du sketch Histoire d’un mec sur le Pont de l’Alma. Lederman, dont le rôle apparait dans le film sous un nom modifié, se  verra finalement débouté le 14 Octobre par le Palais de Justice de Paris. Dans le cas contraire, tout l’affichage et le matériel de promotion publicitaire aurait dû être retirés et modifiés en catastrophe…

 

  Le film se présente donc comme une vision biographique moderne du personnage : le film n’est ni une hagiographie ni un réquisitoire, mais illustre les facettes humaines de l’humoriste, côté scène, dans la lumière, et côté sombre, dans les coulisses des drames personnels vécus à partir de 1981 (divorce, suicide de l’ami Patrick Dewaëre, dépression, drogue, etc.).  L’affiche se veut la traduction au plus juste de cette volonté de faire percer le clown blanc dans l’Auguste : titre blanc sur fond noir, silhouette aux couleurs vives (le jaune est la couleur des humoristes) et animées face à une salle sombre au public invisible, se résumant à un âtre noir inquiétant, lui-même opposé au faisceau blanchâtre du projecteur sur le sol. De dos, ombre portée dans un ultime salut d’un être dansant sur un pied aux frontières ténues des deux mondes : la vie et la mort, le dehors et le dedans, Coluche étant entre le côté cours et le côté jardin. Coluche incarne ici le mythe qu’il représente : un homme face à son Destin.

 


  A l’instar du visuel créé pour La Môme, l’affiche de Coluche, l’histoire d’un mec, répond à une mode du film dit « crépusculaire », inspirée du visuel de Bill Gold pour Impitoyable (Cl. Eastwood - 1992) : on assistera, à chaque fois, aux derniers instants d’une histoire humaine personnelle, d’un lieu et d’une époque, où les soubresauts du héros, agité entre ombres et lumières, l’inscrivent de manière définitive dans la légende qui est la sienne.

 Coluche est fort justement de ce monde là, inscrit entre réel et imaginaire de la conscience collective.



Cf. dossier du site Allociné :

http://www.allocine.fr/film/anecdote_gen_cfilm=119023.html

Synopsis : "Ce n'était pas l'homme le plus honnête, ni le plus pieux, mais c'était un homme courageux. Il s'appelait Diego Alatriste."

 Tels sont les premiers mots du best-seller international d'Arturo Pérez-Reverte, "Le capitaine Alatriste". L'histoire se déroule dans l'Espagne impériale du XVIIe siècle, entre 1622 et 1643, sous le règne de Philippe IV, avant-dernier roi de la Maison d'Autriche. Philippe IV est un monarque faible et facilement manipulable, dominé par une Cour corrompue, agitée par les intrigues orchestrées par le très influent comte-duc Olivares. L'Empire espagnol décline lentement. La société souffre de ses nombreuses contradictions. Le luxe et l'opulence de l'aristocratie coexistent avec la misère et la vulnérabilité du peuple.  Ce monde déclinant est le théâtre des aventures de Diego Alatriste, fier soldat au service de Sa Majesté dans les Flandres, et mercenaire à Madrid et Séville en temps de paix.

  Film le plus cher à ce jour du cinéma espagnol (24 millions d’euros), Capitaine Alatriste (A.D. Yanes - 2006) s’inspire des cinq romans populaires écrits par Arturo Perez-Reverte depuis 1996, qui situent le personnage quelque part entre d’Artagnan, Cyrano de Bergerac et Don Quichotte. Les romans s’appuient sur une double lecture de l’Histoire et de la Littérature espagnoles, qui en font un sujet idéal d’étude dans le milieu scolaire. Le film s’écarte toutefois volontairement du grand spectacle, inhérent au genre contemporain du film historique, au profit d’une lecture intimiste et philosophique de la période, ainsi confrontée à notre propre siècle. Comme l’évoque son réalisateur : "L'Espagne du XVIIe siècle avait une dimension de confusion et de fausseté qui n'est pas sans rappeler notre époque...".

(Sources : Allociné)

  La première particularité de ce film et du matériel publicitaire affairant est sans doute qu’ils datent de … 2006 (le film est sorti le 1^er Septembre 2006 en Espagne). Le Studio Usert38 réalisa dès cette année trois visuels qui furent par la suite réemployés de manière internationale. En ressortent les idées fortes du personnage d’un bretteur méditerranéen fatigué et désabusé, blessé, sali et poussiéreux dont l’imagerie renvoi bien sur assez directement au  Quichotte de Cervantès (écrit et publié de 1605 à 1615) dont la transposition la plus récente aurait du être Lost in la Mancha (T. Gilliam - 2003). A l’inverse de ce fameux personnage, toutefois, Alatriste apparait plus solitaire, réellement aristocrate (son grade de capitaine (capitan) ; le port de l’épée ; absence de l’armure de conquistador) et aussi plus en phase avec un contexte historique réaliste, où la guerre est omniprésente (le design général de l’affiche n’étant guère éloigné de celles des films les plus récents dans le genre).

  Si le nom du personnage principal revêt une certaine empathie mélancolique (tristesse et souffrance morale), celle-ci est avant tout transposée dans un titre à la typographie vintage elle-même usée, relativement modifiée sans sa version française pour rapprocher l’œuvre du seul genre « cape et épée » (le personnage retrouve son grade militaire et l’écriture se fait plus romanesque, à la manière du Bossu ou des Trois Mousquetaires). L’arrière plan, plus ou moins flouté ou silhouetté, demeure pour amorcer le contexte d’une armée espagnole type du XVIIème siècle. L’ensemble du design est également assez évocateur des tonalités de la peinture de Velasquez et du Siècle d’Or espagnol, préférant toutefois une grande simplicité aux effets parfois exagérés du style Baroque.

  L’affiche résonne à vrai dire comme une affirmation : le film sera le portrait de l’Espagne du XVIIème siècle, dont le déclin tragique est déjà amorcé de par sa principale raison (des guerres extrêmement ruineuses) et où la figure fière du bretteur disparait au profit d’une nouvelle violence, amenée par l’usage intensif des armes à feu. Très proche dans sa tonalité romantique comme dans sa destinée d’un Cyrano de Bergerac ou d’un Capitaine Fracasse, Alatriste peut ce percevoir comme la confrontation du héros littéraire au monde moderne, là où ni l’épée ni la plume ne trouvent réellement leurs places, dans le nouveau concert de la politique de conquête des grandes nations tournées vers l’Absolutisme royal.

Synopsis : Pierre Collier est mort... Assassiné chez le sénateur Henri Pages au cours d'un week-end de villégiature. Sa femme, Claire, est la coupable désignée. Elle a été arrêtée un revolver à la main à côté de la victime. Sans doute a-t-elle des raisons d'avoir voulu se venger de son mari volage.
  Pourtant, les apparences peuvent être trompeuses. L'arme n'est pas celle du crime, et chaque invité devient un suspect potentiel. Esther, la maîtresse de Pierre, Léa, son amour de jeunesse humiliée, Philippe, son rival. Et pourquoi pas le sénateur en personne, passionné par les armes à feu ?
  Une affaire complexe à résoudre pour le lieutenant Grange, surtout lorsqu'un deuxième meurtre la fait rebondir...

  

  Avec Le Grand Alibi de Pascal Bonitzer (Sortie en salles le  30 Avril 2008), le spectateur est replongé dans l’ambiance policière des romans à énigmes anglo-saxons (genre désigné par l’anglicisme whodunit, se traduisant par « qui l’a fait ? »), genre phare des années 1920-1950 ayant popularisé les œuvres d’Agatha Christie, John Dickson Carr ou Ellery Queen. Comme précisé sur l’affiche, Le Grand alibi est une adaptation du récit d’A. Christie intitulé Le Vallon (1946), dans lequel Hercule Poirot doit résoudre le mystère de l’assassinat d’un médecin dans la propriété qui donne son nom au roman : la partie strictement « policière » y est très réduite, au profit d’une étude de mœurs. Pascal Bonitzer supprime quant à lui le personnage du célèbre enquêteur belge de son film.

 
   L’affiche française est signée du dessinateur Jean-Claude Floch (dit Floc’h), un habitué de ce type de réalisations, qui illustre ici son 14^ème film (voir l’ensemble de ses affiches sur le blog dédié : http://lhommedanslafoule.blogspot.com/2008/04/cinma-depuis-1977.html) et sa deuxième collaboration avec Pascal Bonitzer après Petites coupures en 2003.  La filiation entre les personnages-pions représentés est le célèbre jeu du Cluedo (imaginé en Angleterre en 1943) est immédiate : on remarquera par conséquent un lien entre une précédente adaptation filmique de cet univers (Cluedo de J. Lynn - 1985) et le film au titre homonyme d’Alfred Hitchcock (Stage fright en VO - 1950).

 






   Une autre filiation discrète de l’affiche - due au style ligne claire et bande dessinée franco-belge de Floc’h - est sans conteste une inspiration inconsciente des couvertures des albums de Ric Hochet (créé par Tibet et André Paul Duchâteau en 1955 au sein du journal Tintin), dont plusieurs se rapprochent du présent visuel (voir par exemple le t. 36, la flèche de sang (1983) ou le t.66, Penthouse Story (2002)). Jean-Claude Floc’h ne cache du reste ni sa passion pour les films et bandes dessinées policières et fantastiques (celles de H.P. Jacobs et d’Hergé en tête), ni sa propre volonté d’en donner une vision renouvelée et hommage à la fois (voir ses travaux avec François Rivière, notamment sur la série Albany & Sturgess chez Dargaud).

   


 La question naturellement posée par le spectateur-enquêteur est de savoir si, oui ou non, l’affiche comporte son lot d’indices et de preuves, alors même que, sur les 10 noms présents au générique en bas de l’affiche, 9 seulement sont directement illustrés par les différents pions, plus une main gantée de droitier braquant un pistolet Beretta sur Lambert Wilson, qui interprète fortuitement la victime (le docteur Pierre Collier)… Le dossier de presse du film fournit en outre 3 personnages supplémentaires, dont l’un est le 10^ème nom (non illustré) de l’affiche. On remarquera enfin la volonté d’inscrire l’affiche et le film comme un jeu, de par des coins arrondis référents d’une carte à jouer : étrange puzzle policier offrant in fine 12 visages (et non 9…), soit la totalité des quatre quatuors de valets, dames et rois, avec une fine redistribution  des rôles féminins et masculins.

 

  Difficile d’en dire plus, car la suite et la résolution appartiennent à l’intrigue et à son dénouement… autant qu’au désir du réalisateur de jouer avec la sagacité de ses enquêteurs-spectateurs.

Synopsis : Depuis l'enfance, Rob Stewart se passionne pour les requins. À tel point qu'il est devenu biologiste et photographe sous-marin afin de pouvoir nager avec eux, décrypter leur mystère et déconstruire le mythe du requin mangeur d'hommes. Ce mythe, entièrement fabriqué, serait selon lui responsable de l'indifférence qui entoure, un peu partout dans le monde, le massacre de la population de requins à des fins commerciales. Du Costa-Rica aux Îles Galapagos en passant par le Guatemala, Stewart et l'équipage de l'activiste des mers Paul Watson tentent de dénoncer et de mettre en échec les braconniers à la solde de mafias asiatiques soutenues par des gouvernements corrompus. Il y va de l'équilibre écologique de la planète...

  Loup, ours, tigre, éléphant, oiseaux, insectes, phoques, manchots, dauphins, baleines et donc requins… Autant de films documentaires récents présentés à un public nouvellement acquis aux thèses écologiques, à la défense de l’environnement, de la biodiversité et de la préservation de l’avenir de la planète. Si les expéditions d’un Cousteau ou d’un Hulot ont eu le grand mérite d’être rendus immédiatement populaire par le petit et le grand écran, il aura fallu presque un demi-siècle pour que l’Homme se souci concrètement de la défense des espèces marines (mammifères marins en tête).

 
  Car entre traditions culinaires dévastatrices, oralité issue des Contes et Légendes populaires, techniques de chasse et qualités des armes améliorées, croissance des zones occupées par l’homme et pollutions diverses, des espèces comme le loup ou l’ours ont déjà disparu de notre territoire. Pour d’autres comme les requins, les peurs ancestrales liées à un mythe de « mangeur d’hommes » repris par le succès phénoménal des Dents de la mer (S. Spielberg ; voir aussi Peur bleue (R. Harlin - 2000) en 1975, auront suffi à en autoproduire une destruction programmée.

 





 
 On regardera donc à deux fois un film documentaire dont le pari évident est de nous faire approcher, aimer et comprendre une espèce jusque là littéralement cantonnée au film d’horreur (à la différence des dauphins du Grand bleu…), et où les phobies bien ancrées du public pour les espaces maritimes insondables ont plongé de pair avec Abyss, Titanic (J. Cameron - 1989 et 1998) ou Open water, en eaux profondes (C. Kantis - 2004). Surtout, il faudra que le film résonne justement comme tel et non comme un énième épisode d’une chaine documentaire quelconque : un titre fort et référent, un visuel simple et élaboré à la fois, une dose de merveilleux et de surprise.

 







  Tous les visuels récents ont été façonnés suivant ces préceptes (voir le dossier à cette page : http://cine-l-affiche-en-plein-coeur.over-blog.fr/pages/Chapitre_4__Reprises_et_detournements__laffiche_mise_en_abyme_partie_1-406967.html et les affiches reprises ici), et celui des Seigneurs de la mer (R. Stewart - sortie le 09 Avril 2008) n’y échappe évidemment pas, car si le premier design du studio bpg se focalise sur la relation homme/animal et la vérité devant émerger de cette prise de contact, le visuel suivant accroit ce rapport, par deux aspects déjà présents sur l’affiche d’Un Jour sur Terre  (A. Fothergill et M. Linfield - 2007 ; A. Fothergill était déjà réalisateur de La Planète bleue en 2004) : la vie sur Terre est fragile et l’avenir de l’Homme repose entre ses mains. Défendre la biodiversité, c’est donc préserver la « magie » de l’équilibre des ressources naturelles, et transmettre ce patrimoine aux générations futures. Soit le même discours que celui du Commandant Cousteau depuis le Monde du Silence (L. Malle et J.Y. Cousteau - 1955) à l’affiche considérablement proche de celle des Seigneurs de la mer, accroche comprise.

 
 


  Ces mains « divinisées » tiennent-elles tous les maux de la Terre où faut-il encore, comme Atlas, soutenir la voute céleste ? La promotion joue certainement l’ambiguïté, car le mot « seigneur » (de la guerre…) est lui-même largement connoté en terme de supériorité, voir de  toute-puissance crainte des autres espèces. Le globe (en verre) est un bocal fragile tout autant qu’un bassin de vie ; entre requin et homme, c’est une éternelle guerre des mondes (eau et terre) qui est ainsi remise en perspective… Monde rêvé ou fantasmé enfin, que celui offert dans ce globe, puisque générateur de merveilleux et d'un autre monde plus ou moins idéalisé (voir le Monde de Nemo), celui de la grande bleue, qui donne le ton prédominant de l'affiche.